Confesso que, mesmo depois de tantos anos, ainda dá vontade de abrir o GTA V só para digitar aquele código de gravidade lunar e sair pulando pela cidade sem motivo nenhum. Poucos jogos envelheceram tão bem quanto esse, e boa parte da diversão continua sendo justamente essa liberdade de quebrar as regras do jogo com uns comandos secretos.

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Se você quer relembrar (ou aprender pela primeira vez) como ativar esses truques no seu console ou PC, separei aqui todos os códigos organizados por plataforma, além de algumas observações que fazem diferença na hora de usar.

Para que servem os códigos do GTA V

Os cheats do GTA 5 nada mais são do que comandos escondidos que destravam ações fora do padrão do jogo: vida infinita, spawn de armas e veículos, mudanças na gravidade e no clima, aumento (ou redução) do nível de procurado pela polícia, corrida turbinada, entre outros efeitos. É uma tradição que vem desde os primeiros títulos da franquia e que a Rockstar manteve viva até hoje.

Como ativar os cheats em cada plataforma

O método muda de acordo com onde você joga:

• Consoles (PS4, PS5, Xbox One e Xbox Series): os códigos são sequências de botões que precisam ser digitadas rapidamente durante a partida.
• PC: basta abrir o console de comandos com a tecla ~ e digitar a palavra correspondente ao cheat, depois apertar Enter.
• Qualquer plataforma: também é possível discar números de telefone específicos usando o celular do personagem dentro do jogo — o efeito é o mesmo, só muda a forma de acionar.

Assim que um código é reconhecido, aparece uma notificação na tela confirmando a ativação.

Funciona no GTA Online?

Não. Esse é um erro que muita gente ainda comete: os cheats só têm efeito no modo história (offline). Usar qualquer tipo de trapaça no GTA Online é proibido pelas regras da Rockstar Games e pode resultar em banimento da conta, então nem vale a pena arriscar.

Códigos para PS4 e PS5

Códigos para Xbox One e Xbox Series X|S

Códigos para PC

No PC, o processo é mais simples: aperte ~ para abrir o console, digite a palavra do cheat e pressione Enter.

Números de telefone (funciona em todas as plataformas)

Uma forma alternativa — e meio divertida, por sinal — de ativar os cheats é discando esses números no celular do personagem:

• Invencibilidade: 1-999-724-654-5537
• Super pulo: 1-999-467-8648
• Gravidade lunar: 1-999-356-2837
• Vida e colete: 1-999-887-853
• Corrida rápida: 1-999-228-8463
• Recarregar habilidade especial: 1-999-769-3787
• Cair do céu: 1-999-759-3255
• Mudar o clima: 1-999-625-348-7246
• Munição incendiária: 1-999-462-363-4279
• Ataques corpo a corpo explosivos: 1-999-4684-2637
• Paraquedas: 1-999-759-3483
• Modo drift: 1-999-766-9329
• Mira em câmera lenta: 1-999-332-3393
• Câmera lenta: 1-999-756-966
• Bicicleta BMX: 1-999-226-348
• Helicóptero Buzzard: 1-999-289-9633
• Carro Comet: 1-999-266-38
• Moto Sanchez: 1-999-633-7623
• Moto PCJ-600: 1-999-762-538
• Caminhão de lixo Trashmaster: 1-999-872-433
• Carro Rapid GT: 1-999-727-4348
• Limousine: 1-999-846-39663
• Avião de acrobacias: 1-999-2276-78676

Pontos que valem a atenção antes de usar

Antes de sair digitando tudo de uma vez, vale saber de algumas particularidades:

• Dá para combinar vários cheats ao mesmo tempo. Nada impede de ativar invencibilidade, gravidade lunar e munição explosiva juntos, por exemplo.
• Os troféus/conquistas ficam bloqueados temporariamente assim que você ativa qualquer código, voltando ao normal só depois que reiniciar o jogo.
• Nenhum código fica salvo. Toda vez que quiser usar de novo, é preciso digitar (ou repetir a sequência) do zero.
• Alguns são só para diversão, como o modo bêbado ou a gravidade lunar — não trazem vantagem real, mas são ótimos para criar situações aleatórias no jogo.
• Cuidado com o save. Em raras ocasiões, o jogo pode não salvar o progresso corretamente depois do uso de cheats.

Quais são os mais usados

Na prática, os campeões de popularidade entre os jogadores costumam ser invencibilidade, super pulo, spawn de veículos especiais, gravidade lunar, armas completas e munição explosiva. Mas no fim das contas vale testar vários — a graça está em descobrir qual combinação rende as situações mais absurdas.

E aí, qual desses códigos você vai usar primeiro na sua próxima sessão de GTA V? Enquanto GTA 6 não chega com sua própria lista de cheats, esses aqui seguem garantindo boas doses de caos no mapa de Los Santos.

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Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 terá legendas em português. A espera acabou, pelo menos em parte. Na manhã de quarta-feira (5), a Konami confirmou que Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 vai ter legendas em português do Brasil. O anúncio saiu direto do perfil oficial da empresa no X, e não veio em inglês genérico como de costume: veio escrito em português mesmo, junto com uma imagem de Metal Gear Solid 4 mostrando a frase de abertura de Solid Snake traduzida.

Quem acompanha a franquia sabe o peso disso. Nenhum volume da coletânea, até então, tinha suporte ao nosso idioma. E olha que não foi por falta de gente pedindo.

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O que a Konami disse, exatamente

O texto publicado pela empresa foi direto: “METAL GEAR SOLID: Master Collection Vol. 2 will support Brazilian Portuguese subtitles. Please stay tuned for details on when the language support will be available.” Em português: o jogo vai ter legendas em PT-BR, mas os detalhes de quando isso chega ainda não foram revelados.

A brincadeira com o bordão de Snake — “Te deixei esperando, hein?” — não passou despercebida. É a mesma fala icônica da abertura de Metal Gear Solid 4, um recado direto pra quem esperou meses por uma resposta.

O que falta esclarecer é justamente a parte prática: se as legendas em português vão estar disponíveis já no lançamento, marcado para 27 de agosto, ou se chegam depois, por atualização. A Konami não deu prazo. Isso significa que, tecnicamente, o jogo pode sair no dia 27 ainda sem o idioma ativo nas lojas, com a localização vindo num patch posterior. Já aconteceu antes com outros jogos da própria empresa, então não custa nada gerenciar a expectativa.

Por que esse anúncio pegou tanta gente de surpresa

Até a véspera do anúncio, as páginas oficiais nas lojas digitais — Steam, PlayStation Store, Nintendo eShop — listavam apenas seis idiomas para a coletânea: inglês, francês, italiano, alemão, espanhol e japonês. A ficha do produto no Steam Brasil, inclusive, chegou a mostrar o aviso de que o conteúdo estava indisponível no idioma local, o que gerou frustração entre quem já tinha aberto a pré-venda sem saber se ia entender a história.

E a história aqui pesa bastante. O carro-chefe da coletânea é Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, notório pelas cutscenes longas, pelos diálogos via Codec e por fechar praticamente todos os arcos da saga de Solid Snake e Big Boss. Não é um jogo pra jogar sem entender o que está sendo dito — a trama é o desfecho de tudo que veio antes, cheia de referências que só fazem sentido pra quem acompanhou a narrativa de perto.

Fora MGS4, o pacote também traz Metal Gear Solid: Peace Walker na versão HD, originalmente lançado pra PSP.

A campanha #MGSPTBR e o motivo da virada

Esse anúncio não caiu do céu. Há meses, uma parte considerável da comunidade brasileira de Metal Gear vinha organizando publicações nas redes usando a hashtag #MGSPTBR, cobrando diretamente da Konami suporte ao idioma. O argumento sempre foi o mesmo: o Brasil é um mercado relevante pra franquia, mas segue tratado como segunda categoria em relação à localização, enquanto outros mercados recebem suporte completo desde sempre.

A pressão parece ter funcionado, ainda que de forma parcial. A Konami confirmou apenas legendas — nada de dublagem foi mencionado. Vale lembrar que a empresa não é estranha a localizar a franquia: METAL GEAR SOLID Δ: Snake Eater, o remake mais recente da série, já tinha recebido localização completa para o nosso idioma, incluindo dublagem. Isso ajuda a explicar por que a cobrança pela Master Collection Vol. 2 ficou tão forte — os fãs sabiam que a empresa tinha estrutura pra fazer isso, só faltava aplicar o mesmo cuidado à coletânea.

E o primeiro volume, fica de fora mesmo?

Aqui está o ponto que mais incomoda quem seguiu a franquia desde o lançamento do primeiro volume, em outubro de 2023. Até o momento, não existe nenhum anúncio de que Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 1 vá receber legendas em português. O pacote reúne os três primeiros jogos numerados da série principal — Metal Gear Solid, Metal Gear Solid 2 e Metal Gear Solid 3 — além de versões dos jogos originais do MSX2.

A ausência de suporte ao português no primeiro volume, mesmo depois da confirmação para o segundo, é estranha do ponto de vista de quem só quer jogar a saga inteira sem trocar de idioma no meio do caminho. Existe a possibilidade de que a Konami decida estender a localização depois, seguindo a régua que abriu com o Vol. 2, mas isso continua sendo especulação até uma confirmação oficial.

Quando o jogo sai e em quais plataformas

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 chega no dia 27 de agosto de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 e PC via Steam. A pré-venda já está liberada nas principais lojas digitais.

Um detalhe que costuma passar batido: essa é a primeira vez que Metal Gear Solid 4 chega a outras plataformas além do PlayStation 3, onde ficou exclusivo por quase duas décadas. Quem nunca teve um PS3, ou vendeu o console há anos, finalmente vai poder terminar a história de Old Snake sem precisar caçar um console antigo usado.

Por que Metal Gear Solid 4 é o grande motivo da expectativa

O jogo saiu originalmente em 2008, exclusivo de PlayStation 3, numa época em que consoles ainda dividiam bastante a base de jogadores por questão de preço. Muita gente que cresceu jogando os primeiros Metal Gear em PC ou em outros consoles nunca teve acesso a esse capítulo, mesmo sendo o que fecha a maior parte das pontas soltas da história de Solid Snake, Big Boss e Ocelot. Isso criou uma geração de fãs que conhece a franquia por resumo no YouTube, mas nunca jogou o final “de verdade”. Com legenda em português, dá pra fechar o arco inteiro da série clássica sem depender de tradução amadora ou de conhecimento prévio de inglês técnico, que no caso de MGS4 inclui bastante gíria militar nem sempre óbvia pra quem não é falante nativo.

Peace Walker, o segundo jogo do pacote, ajuda a completar esse quebra-cabeça. Ele se passa entre os eventos de Metal Gear Solid 3 e Metal Gear Solid V, funcionando como ponte narrativa pra entender como Big Boss vira o antagonista dos jogos mais recentes.

Como a comunidade reagiu ao anúncio

A resposta nas redes foi imediata, mas dividida entre comemoração e desconfiança — reflexo de anos acostumados a ver anúncios de localização chegarem sem data definida e, às vezes, nunca se concretizarem de fato. Já existem casos, em outras franquias, de empresas prometerem legenda em português “em breve” e o recurso nunca sair do papel, ou sair tarde demais, quando o interesse em torno do lançamento já tinha esfriado. Por isso boa parte da comunidade prefere guardar a comemoração completa pra quando a atualização realmente estiver disponível, e não apenas anunciada num post.

Ainda assim, o fato de a Konami ter respondido publicamente, em português, mostra que a pressão da campanha #MGSPTBR não foi ignorada. Pra uma publisher japonesa que historicamente prioriza inglês e japonês nas comunicações oficiais, escrever um anúncio inteiro em português pro público brasileiro não costuma ser um gesto feito à toa.

O que ainda falta saber

Resumindo o que está confirmado e o que ainda depende de anúncio da Konami:

• Confirmado: legendas em português brasileiro para Metal Gear Solid 4 e Peace Walker dentro do Vol. 2.
• Não confirmado: data exata de disponibilidade da localização, se será no lançamento ou por atualização posterior.
• Não confirmado: dublagem em português — o anúncio menciona apenas legendas.
• Não confirmado: se o primeiro volume da coletânea também vai receber suporte ao idioma.

A recomendação, pra quem já ia comprar o jogo de qualquer forma, é acompanhar os canais oficiais da Konami nos próximos dias. Como o anúncio foi recente, é bem provável que as fichas técnicas nas lojas digitais — hoje ainda desatualizadas em alguns pontos — sejam corrigidas em breve, trazendo o português junto da lista oficial de idiomas suportados.

Pra franquia que carrega uma das bases de fãs mais fiéis (e mais barulhentas) do Brasil, esse anúncio é menos sobre o jogo em si e mais sobre reconhecimento. Depois de décadas comprando jogo em inglês e catando referência em fórum pra entender a história, o público brasileiro finalmente ganhou um sinal claro de que a Konami está prestando atenção.

Imagem do topo: Gameversus

Black Clover termina com trailer especial para o último volume do mangá. Onze anos depois de Yuki Tabata ter começado a desenhar as primeiras páginas de Asta gritando contra tudo e todos, Black Clover fechou as portas. E fechou com estilo: a Shueisha não deixou o volume 38, a edição que encerra oficialmente o mangá, sair de mansinho pelas bancas japonesas. Em vez disso, soltou um trailer especial para marcar a data, algo que a editora reserva para pouquíssimas séries no fim de carreira.

O volume chegou às livrarias do Japão no dia 4 de agosto, reunindo os capítulos finais da jornada de Asta rumo ao título de Rei Mago. Não é só mais um tomo encadernado. É o ponto final de uma das séries que mais tempo ocupou as páginas da Weekly Shonen Jump na última década, ao lado de nomes como My Hero Academia e Jujutsu Kaisen, que também se despediram nos últimos anos com o mesmo tipo de tratamento especial.

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Por que esse volume pesa tanto para os fãs

Quem acompanha Black Clover desde 2015 sabe que a reta final não foi tranquila. O mangá deixou a publicação semanal em 2023, migrando para lançamentos trimestrais na revista Jump GIGA depois de problemas de saúde que afetaram o ritmo de trabalho de Tabata. Foram quase três anos de capítulos espaçados, cada lançamento virando evento entre os leitores que torciam para o autor conseguir fechar a história do jeito que planejou.

Por isso o volume 38 carrega um peso emocional diferente. Não é apenas o fim de uma batalha contra Lucius Zogratis ou a resolução da rivalidade entre Asta e Yuno pelo posto de Rei Mago — isso os capítulos finais da revista já tinham entregado meses antes. O que o volume traz de novo é o fechamento físico da coleção, acompanhado de um extra que ninguém sabia que existia: um guia oficial recheado de informações sobre o universo mágico da série que Tabata nunca conseguiu encaixar na trama principal.

O que tem no guia extra além do trailer

O material que acompanha o volume final não se resume a curiosidades de bastidor. Junto ao guia veio um capítulo inédito, ambientado pouco antes dos acontecimentos do desfecho, que ajuda a costurar o salto temporal e explica como Asta chega até a nova posição que ocupa no epílogo. É o tipo de ponte narrativa que normalmente sairia como um one-shot separado, mas que a editora decidiu reservar justamente para esse lançamento, dando ainda mais motivo para os fãs correrem atrás da edição japonesa.

Ainda assim, nem tudo ficou resolvido. O capítulo bônus não encerra todas as pontas soltas que a torcida esperava ver amarradas, principalmente no que diz respeito à vida amorosa de Asta. É justamente aí que mora a maior crítica ao desfecho da série.

O final que dividiu opinião entre os leitores

Black Clover encerra sua história com Asta e Yuno colocando um ponto final na rivalidade dos dois, com uma disputa que decide quem herda o título de Rei Mago depois de tudo que enfrentaram contra Lucius. Os dois saem reconhecidos pelo Reino do Trevo pelo papel que tiveram na guerra, e o duelo entre eles vira a forma simbólica de resolver quem fica com o posto mais alto da magia do reino.

O epílogo vai além da coroação e mostra outros personagens já estabelecidos, alguns com famílias formadas depois do fim do conflito, confirmando romances que os leitores torciam havia anos. É um fechamento generoso com o elenco secundário, mas que deixa escapar justamente o protagonista: nem Noelle nem Mimosa chegam a declarar o que sentem por Asta de forma explícita, e o herói termina a saga sem qualquer desfecho amoroso próprio. Para uma parte da base de fãs, isso soa como uma escolha estranha depois de tantos capítulos construindo tensão romântica ao redor dele.

Mesmo com essa lacuna, é difícil negar o tamanho da conquista de Tabata em fechar uma história que começou como um shonen de fantasia mágica relativamente comum e foi se transformando, ao longo de mais de trezentos capítulos, em uma saga sobre superação, hierarquia social e o custo pessoal de guerras que se arrastam por gerações.

Sem data para o Brasil ainda

Para quem lê a versão em português, a espera continua. Não existe, até agora, confirmação de data para o lançamento internacional desse volume final, e histórico de séries parecidas sugere que esse processo pode levar alguns meses até chegar às plataformas oficiais e às livrarias fora do Japão. Enquanto isso não acontece, quem quiser acompanhar de perto tudo o que saiu no volume 38 — incluindo o trailer e os detalhes do guia extra — só encontra material de primeira mão em fontes japonesas ou em coberturas internacionais que já tiveram acesso à edição física.

O que vem depois do mangá

O fim da publicação não significa que Black Clover está de saída do radar dos fãs. Pelo contrário: a franquia vive um momento de reformulação justamente agora. O anime está de volta com uma segunda fase produzida pelo Studio Pierrot, retomando a partir do arco do Reino de Espada, um dos trechos mais elogiados da adaptação original. A expectativa é que essa nova fase venha com um acabamento visual mais consistente do que a primeira leva de episódios, que sofreu com as pressões de manter uma transmissão semanal contínua durante mais de cento e setenta capítulos animados.

Essa sincronia entre o encerramento do mangá e o retorno do anime não parece coincidência. É comum que editoras aproveitem o fechamento de uma obra para reacender o interesse do público antes de uma nova temporada, e no caso de Black Clover isso faz ainda mais sentido: quem só conhece a história pelo anime ainda está muito longe do desfecho que os leitores do mangá já viram, o que deixa margem para toda uma nova onda de gente descobrindo a saga do zero.

O legado de uma série que quase não terminou

Vale lembrar que houve momentos em que a continuidade de Black Clover parecia incerta, justamente por causa da saúde do autor. Ver o mangá chegar a um final planejado, com direito a volume comemorativo, guia extra e trailer especial, é um desfecho que muita gente da comunidade não dava como certo alguns anos atrás. Tabata levou o Reino do Trevo do começo ao fim, sem abandonar a obra pelo caminho, algo que nem toda série de grande porte na Shonen Jump conseguiu fazer nos últimos tempos.

Fica agora a expectativa dupla: a chegada da versão internacional do volume 38 para quem quer fechar a coleção física, e a estreia da nova temporada do anime, que deve apresentar a arcos que boa parte do público só conhece pelo mangá. Para quem cresceu acompanhando Asta gritando “eu vou ser o Rei Mago” desde o primeiro capítulo, esse é o tipo de despedida que vale a pena comemorar com calma, revendo a jornada inteira antes de repetir aquele processo tão comum entre otakus: sentir falta de uma história mesmo sabendo que ela terminou do jeito certo.

Imagem do topo: Critical Hits

Digimon confirma novo anime para 2027. A franquia Digimon acaba de abrir os festejos da sua data mais importante em três décadas de existência. Neste sábado, foi divulgado que um anime completamente novo está em produção e chega às telas japonesas em 2027, ano em que a marca completa 30 anos desde o lançamento do bichinho virtual Digital Monster, em 1997.

O aviso saiu direto dos canais oficiais da série, sem cerimônia nem trailer, mas foi suficiente para colocar fãs do mundo inteiro em polvorosa.

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O que foi divulgado até agora

Quem esperava um título, um visual de personagens ou pelo menos uma sinopse vai ficar com a curiosidade em aberto por mais um tempo. O comunicado da Toei Animation trouxe pouquíssima informação concreta: apenas a confirmação de que se trata de uma produção televisiva inédita, sem ligação direta anunciada com nenhuma temporada anterior, e que estreia em algum momento de 2027.

Não se sabe se o elenco de DigiEscolhidos será formado por rostos novos, algo que a franquia costuma fazer a cada ciclo, ou se veterinos de gerações passadas vão reaparecer em algum formato especial. Também não há pista sobre estúdio de roteiro, diretor ou mesmo o tom da obra — e isso, para quem acompanha Digimon há anos, não chega a ser surpresa. A série tem como marca registrada reinventar a fórmula a cada nova fase, alternando entre tramas mais sombrias, aventuras família e experimentos narrativos que fogem do óbvio.

Junto ao texto, a produção liberou uma arte comemorativa reunindo DigiEscolhidos e seus parceiros digitais de várias eras da franquia, numa espécie de retrospectiva visual de tudo que já foi construído desde a estreia de Digimon Adventure, em 1999.

Um projeto guarda-chuva: o Digimon 30th Anniversary

O novo anime não vem sozinho. Ele é a peça central de uma iniciativa maior batizada de Projeto Digimon 30th, pensada para espalhar as celebrações ao longo de vários meses e não concentrar tudo numa data única. Dentro desse pacote está também o “Bokura ga Eranda Best Adventure” — algo como “A Melhor Aventura Escolhida por Nós” —, um especial retrospectivo montado a partir de uma votação popular entre os fãs, que elegeram os episódios mais marcantes de Digimon Adventure, Digimon Adventure 02, Digimon Tamers e Digimon Frontier.

As reprises começam a valer a partir de 4 de outubro, sempre aos domingos às 9h no horário japonês, pela Fuji TV e emissoras parceiras, cobrindo primeiro Adventure e Tamers. As exibições de Adventure 02 e Frontier ainda não têm data marcada, mas devem ser reveladas nos próximos meses conforme o calendário de aniversário avança.

Vale reforçar: esse resgate de episódios clássicos é um projeto à parte, pensado para reaquecer a nostalgia antes da chegada do anime inédito. Os dois caminham lado a lado, mas não se confundem.

Onde isso deixa o Digimon Beatbreak

Um ponto que gerou dúvida entre os fãs assim que a notícia saiu foi o futuro da série atualmente em cartaz. Digimon Beatbreak, que vinha carregando o posto de produção televisiva mais recente da franquia, está entrando na reta final da sua história e caminha para o encerramento ainda neste ano. A obra segue disponível fora do Japão via Crunchyroll para quem quiser acompanhar até o fim.

O novo projeto não substitui Beatbreak nem interrompe seu ciclo: ele chega depois, como continuidade natural do calendário de lançamentos da franquia, evitando aquele hiato longo entre uma temporada e outra que já aconteceu em momentos anteriores da história de Digimon.

Por que 2027 e não já em 2026

A escolha da data tem explicação simples. O universo Digimon nasceu oficialmente em 1997, quando a Bandai lançou o bichinho virtual Digital Monster no Japão, dando início a um fenômeno que rapidamente se espalhou para brinquedos, cartões colecionáveis, videogames e, claro, animes. Contando esse marco, 2027 fecha exatamente o ciclo de três décadas — daí o ano escolhido tanto para o novo anime quanto para o guarda-chuva de eventos comemorativos.

Foi só dois anos depois, em 1999, que a franquia deu o salto para a televisão com Digimon Adventure, abrindo caminho para uma sequência praticamente ininterrupta de séries: Adventure 02 logo em seguida, Tamers, Frontier com seus 50 episódios entre 2002 e 2003, e, mais recentemente, Ghost Game, que foi ao ar entre 2021 e 2023 somando 68 capítulos antes de dar lugar a Beatbreak.

O que esperar de um novo capítulo da franquia

Sem detalhes oficiais, resta especular com base no histórico da série — e aqui vale lembrar que Digimon raramente repete a receita anterior. Cada temporada costuma trazer um grupo diferente de protagonistas, um conjunto novo de Digimons parceiros e, muitas vezes, uma abordagem temática distinta: houve fases mais voltadas ao público infantil, outras com tons bem mais adultos e dramáticos, e até experimentos que misturaram terror psicológico com a tradicional jornada de amizade entre humano e monstro digital.

Dado o peso simbólico de um aniversário de 30 anos, existe a possibilidade de a nova produção flertar de alguma forma com o legado da franquia, seja trazendo referências visuais aos primeiros DigiEscolhidos, seja optando por um recomeço completo que sirva como porta de entrada para uma nova geração de espectadores. Nenhuma dessas hipóteses foi confirmada — são apenas leituras possíveis considerando o padrão da série ao longo dos anos.

Um aniversário que promete se estender ao longo do ano

Pela forma como a Toei Animation está distribuindo os anúncios, dá para prever que o Projeto Digimon 30th vai se desdobrar em ondas, com novidades chegando aos poucos em vez de um pacote fechado revelado de uma vez só. Isso é comum em franquias de longa duração: eventos ao vivo, exposições, produtos colecionáveis e parcerias costumam se somar ao calendário conforme a data redonda se aproxima.

Para quem cresceu acompanhando os DigiEscolhidos nos anos 2000, o timing também carrega um peso emocional: 2027 marca não só três décadas de franquia, mas o retorno simbólico de episódios que definiram a infância de uma geração inteira, agora reexibidos lado a lado com uma proposta totalmente nova.

O que fica para os próximos meses

Por ora, o que existe de concreto é isto: um anime inédito confirmado para 2027, um especial retrospectivo com estreia marcada para outubro deste ano, e a promessa de que mais anúncios vão surgir conforme o Projeto Digimon 30th avança. Título, elenco, estúdio responsável pela animação e sinopse ainda são incógnitas — e devem permanecer assim por um bom tempo, considerando que a estreia está prevista para daqui a mais de um ano.

O que dá para afirmar com segurança é que a franquia não pretende desacelerar tão cedo. Com Beatbreak fechando seu arco final, o resgate de clássicos ganhando espaço na grade da Fuji TV e um projeto inteiramente novo já confirmado no radar, 2026 e 2027 devem ser dois dos anos mais movimentados da história de Digimon desde a estreia original em 1999.

Digimon confirma novo anime para 2027 – Imagem do topo: Otaku PT

A Ubisoft confirmou que vai desligar os servidores de Champions Tactics: Grimoria Chronicles no dia 30 de outubro de 2026. O anúncio saiu direto no Discord oficial do jogo, sem grande cerimônia, encerrando um projeto que a publisher francesa apresentava, até pouco tempo atrás, como prova de que blockchain e games podiam conviver bem. Não deu certo.

O jogo tinha pouco mais de dois anos de vida. Lançado em outubro de 2024, Champions Tactics era descrito pela própria Ubisoft como um “RPG competitivo por turnos em Web3” — uma forma elegante de dizer que cada personagem controlado pelo jogador era, na prática, um token não fungível registrado em blockchain. As batalhas colocavam equipes de três guerreiros, os “Champions”, uma contra a outra em combates táticos. Até aí, nada muito diferente de dezenas de outros jogos de estratégia por turnos.

A diferença estava no marketplace. Os personagens podiam ser comprados, vendidos e negociados usando moeda do próprio jogo ou criptomoeda — no caso, o token OAS da rede Oasys, a blockchain que a Ubisoft escolheu como parceira para o projeto. Existia ainda um sistema chamado Forge, que permitia criar novos Champions mediante pagamento. Alguns desses personagens chegaram a ser anunciados no mercado por valores que beiravam os 63 mil dólares — embora anunciar um preço desses não signifique, necessariamente, que alguém tenha pago por ele. Na prática, a maioria das transações reais ficava bem abaixo disso, geralmente na casa das poucas centenas de dólares.

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Uma retirada que já vinha sendo desenhada

O fim completo do jogo não pegou ninguém de surpresa, porque a Ubisoft já vinha recuando dessa estratégia havia meses. Em maio de 2026, a empresa avisou à comunidade que pretendia “transicionar progressivamente” o jogo para fora da tecnologia blockchain, citando mudanças na infraestrutura que sustentava as funções Web3. Na prática, isso significou congelar as carteiras digitais dos jogadores, fechar o marketplace e a Forge, e transformar os antigos NFTs em itens digitais comuns, sem nenhuma ligação real com blockchain. Quem tinha vantagens de VIP continuou com elas, mas o que antes era vendido como algo único e verdadeiramente seu virou, de uma hora para outra, um item de jogo qualquer guardado dentro de um jogo qualquer.

Foi nesse mesmo movimento que surgiu Champions Tactics Reforged, uma versão gratuita disponibilizada na Steam em 19 de maio de 2026, sem nenhum vestígio de blockchain ou criptomoeda. A ideia era simples: talvez o problema nunca tivesse sido o jogo em si, mas a rejeição do público a qualquer coisa rotulada como NFT. Tirando essa camada, talvez os jogadores aparecessem.

Não apareceram. O pico de usuários simultâneos na Steam bateu em torno de 1,4 mil jogadores, um número modesto até para os padrões de jogos de nicho, e a versão Reforged acabou saindo de catálogo pouco tempo depois de estrear. Hoje ela nem consta mais como disponível na loja da Valve.

Por que o jogo não vingou

Vale separar dois problemas que a Ubisoft tentou resolver como se fossem um só. O primeiro era a rejeição ao conceito de NFT em si: parte considerável do público de videogame nunca escondeu o desconforto com a ideia de pagar por personagens digitais como se fossem ativos financeiros, principalmente depois da onda de golpes e esquemas de “pay-to-earn” que marcaram o auge das criptomoedas em jogos por volta de 2021. Retirar essa camada, como fez a versão Reforged, ajudava a resolver essa parte.

O segundo problema, porém, era o próprio jogo. Relatos de jogadores e da imprensa especializada apontam para instabilidade, travamentos e bugs recorrentes mesmo entre quem nunca se importou com a questão do blockchain. Ou seja: tirar o NFT do jogo não resolvia o motivo real pelo qual as pessoas desistiam dele em poucas horas de partida.

Há também um problema de tempo de mercado que ninguém na Ubisoft parece ter enfrentado de frente. O auge do interesse por NFTs em jogos aconteceu entre 2021 e 2022. Quando Champions Tactics chegou ao público, em outubro de 2024, esse assunto já tinha perdido praticamente todo o interesse do público geral e da própria imprensa de tecnologia, que já discutia outra onda, a da inteligência artificial. Lançar um jogo centrado em blockchain quase três anos depois do pico da moda soa, no mínimo, como uma aposta tardia demais para dar retorno.

O histórico da Ubisoft com blockchain

Champions Tactics não nasceu isolado. A Ubisoft vinha insistindo nessa tecnologia havia anos, mesmo diante de reações majoritariamente negativas do público gamer. Em janeiro de 2022, o vice-presidente do Strategic Innovations Lab da empresa chegou a dizer publicamente que os jogadores “não entendiam” o valor dos NFTs — frase que voltou a circular nos últimos dias como um lembrete irônico de como aquela visão andou distante da realidade do mercado.

Antes de Champions Tactics, a Ubisoft já tinha tentado, e recuado, de outras experiências com recursos do tipo “pague para ganhar” ligados a itens colecionáveis digitais. Ainda assim, insistiu no conceito, chegando a lançar dois jogos com elementos de NFT somente em 2024.

E o interessante é que a companhia não está totalmente fora dessa aposta. No início de 2026, entrou no ar Might and Magic Fates, um jogo de cartas colecionáveis que também permite comprar e vender cartas usando criptomoeda ou dinheiro real. Não por acaso, parte da comunicação de encerramento de Champions Tactics já direciona os jogadores remanescentes para esse novo título, oferecendo recompensas para quem migrar. Resta saber se Might and Magic Fates vai correr o mesmo risco em alguns meses, ou se a empresa aprendeu algo com o fracasso anterior.

O que acontece com quem ainda joga

Para quem segue ativo em Champions Tactics, a Ubisoft já suspendeu todas as compras dentro do jogo em todas as plataformas, uma medida padrão para evitar que alguém gaste dinheiro em algo com prazo de validade tão curto. O jogo continua jogável normalmente até o desligamento definitivo dos servidores, marcado para 30 de outubro. A empresa prometeu enviar novos avisos e lembretes conforme a data se aproxima, mas não sinalizou nenhum plano de compensação financeira para quem investiu em personagens ou itens do marketplace ao longo desses dois anos.

Chama atenção, olhando o Discord oficial do jogo, a ausência de qualquer mobilização forte contra o encerramento. Diferente de outros casos de games fechados pela Ubisoft, que costumam gerar petições e campanhas de jogadores tentando reverter a decisão, aqui a reação parece ter sido de resignação — quando não de discussão sobre se o projeto era, desde o início, uma tentativa de vender promessa financeira disfarçada de jogo tático.

O saldo da experiência

Champions Tactics: Grimoria Chronicles fecha um ciclo que resume bem o momento das grandes publishers com blockchain: entrar tarde demais em uma tendência já desgastada, tropeçar em problemas técnicos que nada tinham a ver com criptomoeda, tentar salvar o produto removendo justamente o elemento que o diferenciava, e, mesmo assim, não conseguir reter público suficiente para justificar manter os servidores no ar.

Fica também a pergunta sobre o próximo passo da Ubisoft nesse território. Enquanto Might and Magic Fates seguir no ar com o mesmo modelo de negociação de cartas por criptomoeda, o histórico recente sugere que vale acompanhar de perto — porque, pelo visto, a companhia ainda não está pronta para abandonar de vez essa ideia, mesmo depois de ver na prática quanto ela custou.

Imagem do topo: Flow Games

Twisted-Wonderland: 2ª Temporada Ganha Visual Inédito. A Disney+ Japão colocou um ponto final na especulação dos fãs. No dia 27 de julho, a plataforma confirmou que a segunda temporada de Twisted-Wonderland: A Série chega em dezembro de 2026, com exclusividade no catálogo do serviço de streaming.

Junto do anúncio, veio a primeira arte promocional do novo arco, batizado de Episode of Savanaclaw — e a data escolhida para revelar tudo não foi aleatória.

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Um pôster com timing calculado

O anúncio caiu em 27 de julho, dia que corresponde ao aniversário de Leona Kingscholar dentro do jogo original. Não é coincidência: a produção vem usando as datas de nascimento dos personagens como gatilho para grandes revelações, transformando comemorações dos fãs em janelas de marketing. Funcionou. O pôster viralizou rápido entre a comunidade brasileira de RPGs mobile e anime, que acompanha Twisted Wonderland desde o lançamento do jogo para celular em 2020.

Na imagem, Leona aparece sentado como se estivesse em um trono, cercado por espirais douradas de magia — uma escolha visual que reforça sua personalidade arrogante e sua ligação com o “Rei Leão”, inspiração confessa por trás do dormitório Savanaclaw. Ao seu lado esquerdo está Ruggie Bucchi, com aquele sorriso de quem está sempre tramando alguma coisa, enquanto Jack Howl ocupa o lado direito em pose de alerta, como um guarda pronto para agir. Ao fundo, três sombras grandes se projetam na parede, sugerindo que o elenco de vozes desse dormitório vai crescer nos próximos episódios. O slogan que acompanha a peça, “a travessura tem início”, já entrega o tom mais provocador que essa fase da história deve assumir.

O que muda na trama a partir de agora

Quem acompanhou a primeira leva de episódios, Episode of Heartslabyul, viu Yuken Enma — o protagonista chamado carinhosamente de Yu — cair de paraquedas em Night Raven College sem conseguir usar magia. Ele se aliou a Grim, uma criatura que sonha em virar um grande feiticeiro, e cruzou caminho com Ace Trappola e Deuce Spade antes de encarar Riddle Rosehearts, líder do dormitório inspirado em Alice no País das Maravilhas. O arco fechou com a rebelião dos alunos contra as regras rígidas impostas por Riddle, num confronto que testou os limites da magia dele.

Agora o centro da história se desloca para Savanaclaw, o dormitório que bebe da estética de O Rei Leão. O pano de fundo passa a ser o Spelldrive, torneio de magia disputado entre os diferentes dormitórios do colégio. Yu vai descobrir, na prática, o quanto a rivalidade entre os grupos pode ficar acirrada quando há um campeonato em jogo — e Leona, como líder do time, não é exatamente o tipo que joga limpo.

Vale lembrar que o projeto nunca foi pensado como algo fechado em uma única leva de episódios. Desde o início, a Disney planejou a adaptação em três temporadas, cada uma dedicada a um dormitório diferente. Depois de Heartslabyul e Savanaclaw, o público já sabe que a terceira parte vai se chamar Episode of Octavinelle, focada no trio inspirado em A Pequena Sereia. Ou seja: quem se envolveu com o primeiro ano tem um caminho relativamente claro do que vem pela frente.

Ficha técnica mantém quem já entregou resultado

A produção da animação segue nas mãos do estúdio Yumeta Company, responsável por trabalhos como Digimon Adventure 02: The Beginning, com o reforço da Graphinica, que já assinou projetos como Record of Ragnarok e Expelled from Paradise. A direção geral fica com Takahiro Natori, que também comandou Aria the Benedizione, contando com o apoio de Shin Katagai. O roteiro continua sob responsabilidade de Yoichi Kato, nome conhecido por quem acompanha Space Brothers e Aikatsu!.

No design de personagens, Hanaka Nakano e Akane Satō dão sequência ao trabalho de adaptar para a tela as ilustrações originais de Yana Toboso — sim, a mesma mangaká por trás de Black Butler, que assina o conceito, o roteiro principal e os designs do jogo desde o lançamento. Essa continuidade de equipe costuma ser um bom sinal para quem torce por consistência visual entre uma temporada e outra, já que trocas de estúdio no meio do caminho tendem a gerar quedas perceptíveis de qualidade.

Do lado sonoro, o compositor Takumi Ozawa permanece à frente da trilha, papel que ele já ocupa desde a estreia do jogo em 2020. E os três dubladores japoneses responsáveis por Leona, Ruggie e Jack no material original retornam para dar voz aos personagens na versão animada, o que ajuda a manter a identidade que os fãs mais antigos do game já reconhecem.

Por que Twisted-Wonderland conquistou tanta gente

Para quem ainda não conhece a franquia, o conceito é simples de explicar e difícil de largar depois que engancha. O jogo, lançado originalmente para celulares, reimagina os vilões clássicos da Disney como estudantes de uma academia de magia. Cada dormitório representa a essência de um filme diferente: Heartslabyul remete a Alice no País das Maravilhas, Savanaclaw dialoga com O Rei Leão, e assim por diante. A proposta rendeu à franquia prêmios de peso, incluindo o Grande Prêmio em categorias de jogos mobile no Japão, e abriu caminho para o lançamento em inglês nos Estados Unidos e Canadá em janeiro de 2022, expandindo a base de fãs para fora do mercado japonês.

A adaptação em anime nasceu justamente para capturar esse público que já vinha crescendo havia anos, mas que só tinha acesso à história através do jogo ou do mangá derivado. A primeira temporada estreou em 29 de outubro de 2025, com oito episódios, e serviu como cartão de visitas: apresentou o mundo, o protagonista sem magia e a dinâmica competitiva entre os dormitórios sem se aprofundar demais em nenhum arco específico ainda.

O que esperar dos próximos meses

Com a data de dezembro confirmada mas sem um dia exato divulgado até agora, é provável que a Disney+ solte novos materiais promocionais nas semanas anteriores à estreia — trailers, artes de personagens individuais e talvez até prévias de trilha sonora costumam aparecer nesse tipo de calendário editorial. Se o padrão da primeira temporada se repetir, dá para esperar um lote de episódios lançado de forma concentrada, já que o formato de oito capítulos por arco parece ter se consolidado como o ritmo padrão da produção.

Para os fãs brasileiros, a boa notícia é que o Disney+ já provou com a primeira leva que a legendagem e a dublagem (quando disponível) costumam acompanhar o lançamento internacional sem grandes atrasos. Resta acompanhar se a plataforma vai repetir a estratégia de datas simbólicas para outros anúncios — afinal, com um elenco tão grande de personagens e aniversários espalhados pelo calendário, não faltam oportunidades para a Disney Japão surpreender de novo antes de dezembro chegar.

R7 Entretenimento

Silent Hill: Townfall terá 5 finais diferentes. A Konami e o estúdio Screen Burn Interactive levantaram o véu sobre um dos aspectos mais aguardados de Silent Hill: Townfall: a forma como a história pode terminar. Depois do fim do embargo de imprensa nesta quarta-feira (29), ficou confirmado que o jogo trará cinco finais distintos, mantendo viva uma marca registrada da franquia que remonta ao Silent Hill original de 1999.

O detalhe que chama atenção não é só o número de desfechos, mas o método usado para chegar a cada um deles. Ao contrário do que muita gente esperava, não haverá telas de escolha binária, do tipo “salve ou abandone”, que aparecem em boa parte dos jogos com múltiplos finais. Em Townfall, o resultado nasce do conjunto de atitudes tomadas por quem está no controle de Simon Ordell durante toda a campanha.

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Três finais na primeira campanha, dois escondidos no New Game+

Dos cinco desfechos anunciados, três são considerados os finais principais e podem ser alcançados já na primeira jogatinha, sem exigir que o jogador termine o game mais de uma vez para desbloquear os outros. É uma escolha de design que evita a frustração comum em franquias de terror, onde às vezes é preciso repetir horas de jogo só para ver uma cena alternativa.

Os outros dois finais, porém, seguem a lógica oposta. Segundo apurado pela imprensa especializada, esses desfechos são secretos e só se tornam acessíveis por meio do modo New Game+, depois que o jogador já tiver zerado o game pelo menos uma vez. A equipe de desenvolvimento optou por não dar pistas sobre os requisitos para desbloqueá-los — e, como era de se esperar de algo tratado como segredo, essa reserva é proposital.

Nada de escolhas óbvias: o jogo observa o comportamento, não a decisão pontual

O diretor e roteirista Jon McKellan foi quem detalhou a lógica por trás do sistema em entrevista à imprensa. Segundo ele, o game vai analisar o comportamento do jogador ao longo de toda a campanha para definir qual dos três finais principais será entregue, sem depender de uma escolha binária isolada.

McKellan resumiu o raciocínio da equipe de forma direta: as decisões tomadas durante o jogo vão determinar o desfecho, e a intenção é que esse final pareça coerente com a experiência vivida por cada pessoa, como uma consequência natural da forma como ela jogou. Para isso funcionar, o estúdio criou métricas que vão muito além de um contador de “bem” ou “mal”. De acordo com o próprio diretor, existem diversos atributos que fazem essa “agulha” se mover, incluindo o quão agressivo o jogador se mostra em combate e sua disposição para investigar o cenário ao redor.

Na prática, isso significa que dois jogadores podem ter tomado decisões parecidas em momentos-chave e, ainda assim, receber finais diferentes, simplesmente porque um deles explorou mais os ambientes, evitou confrontos ou reagiu de um jeito distinto diante dos inimigos. É um sistema pensado para recompensar o estilo de jogo como um todo, não uma decisão tomada em um cutscene específico.

“Linear amplo”: a estrutura por trás da narrativa

Outro ponto levantado por McKellan ajuda a entender por que esse sistema de múltiplos atributos faz sentido dentro da estrutura de Townfall. O diretor descreveu a campanha como algo que ele chama de “linear amplo”: a jornada segue um caminho principal, mas existem pequenos desvios ao longo do percurso, com momentos em que certas ações podem ser realizadas em ordens diferentes, o que deixa a experiência menos guiada do que pareceria à primeira vista.

Essa arquitetura narrativa é o que permite ao jogo rastrear padrões de comportamento sem depender de bifurcações gigantescas no roteiro, algo que exigiria um orçamento e um tempo de produção muito maiores. Em vez de multiplicar caminhos, o estúdio multiplicou variáveis dentro de um único caminho — uma abordagem que lembra, guardadas as proporções, o sistema de “amizade” e ações sutis usado no remake de Silent Hill 2 e em Silent Hill f, os dois títulos mais recentes da série antes de Townfall.

Uma tradição que remonta ao Silent Hill original

A ideia de finais múltiplos não é novidade para quem acompanha a franquia desde os anos 2000. O primeiro Silent Hill já brincava com esse conceito, oferecendo desde desfechos “sérios” e emocionalmente pesados até finais bem-humorados e propositalmente bizarros, uma marca que se repetiu em praticamente todos os jogos numerados da série. Silent Hill 2, por exemplo, ficou conhecido justamente por ter finais que dependiam de detalhes de comportamento do jogador ao longo da aventura, e não de escolhas explícitas — e é exatamente esse legado que Townfall parece querer resgatar, só que de forma ainda mais sofisticada.

Ao evitar escolhas óbvias, a Screen Burn Interactive também busca proteger a experiência de spoilers precoces. Como os finais não estão amarrados a um momento específico e visível da história, fica mais difícil para alguém simplesmente assistir a um vídeo com “as escolhas certas” e reproduzir o resultado desejado sem entender o contexto por trás dele.

O objetivo por trás dos cinco desfechos

Para a equipe de desenvolvimento, o motivo de existirem tantos finais diferentes vai além de dar valor de replay ao game. Segundo os próprios criadores, a intenção é estimular uma conversa entre os jogadores assim que os créditos aparecerem na tela, fazendo com que cada um compartilhe não apenas o desfecho que recebeu, mas também como agiria caso estivesse na mesma situação vivida pelos protagonistas.

Esse tipo de discussão pós-jogo é algo raro de se conseguir com facilidade, e costuma acontecer justamente quando o sistema de consequências é sutil o bastante para gerar surpresa. Se todo mundo soubesse exatamente qual botão apertar para “ganhar” o final bom, dificilmente haveria motivo para trocar impressões depois.

Simon Ordell e o pesadelo de St. Amelia

Vale lembrar o contexto em que esses cinco finais se encaixam. Ambientado em 1996, Silent Hill: Townfall acompanha Simon Ordell em uma jornada marcada por culpa, desaparecimentos e acontecimentos sobrenaturais que confundem constantemente os limites entre realidade e alucinação. A trama se passa na fictícia ilha escocesa de St. Amelia, onde o protagonista desperta cercado por ruas vazias, construções abandonadas e uma densa camada de névoa que limita a visibilidade — um cenário que conversa diretamente com a atmosfera clássica da franquia, mesmo fora dos Estados Unidos, onde as histórias da série normalmente se passam.

Diferente dos jogos anteriores, Townfall adota uma câmera totalmente em primeira pessoa, algo inédito para um título principal da franquia, e aposta mais em furtividade do que em combate direto para lidar com as criaturas que rondam a cidade. Simon pode usar armas improvisadas, como canos e tábuas, mas o jogo empurra o jogador a evitar confrontos sempre que possível — uma escolha de design que também deve influenciar diretamente naquelas métricas de comportamento usadas para calcular o final.

Quando dá para conferir tudo isso

Silent Hill: Townfall chega para PlayStation 5 e PC no dia 24 de setembro. Até lá, quem quiser ter uma ideia mais concreta do que esperar pode assistir aos primeiros 15 minutos de gameplay já liberados pela Konami, gravados em um PS5 Pro e divulgados por criadores de conteúdo após o fim do embargo — o material mais completo do jogo mostrado publicamente até agora.

Com cinco finais possíveis, um sistema de consequências que dispensa escolhas óbvias e uma estrutura narrativa desenhada para recompensar a curiosidade e o estilo de cada jogador, Townfall aposta suas fichas em fazer os créditos finais soarem como um espelho de como cada um decidiu enfrentar o pesadelo de St. Amelia — e não como o resultado de um único clique decisivo no meio da campanha.

Imagem do topo: Game Rant

Senren Banka vai virar anime. No dia 26 de julho, durante o evento Yuzusoft SONGFES 2026 em Tachikawa, Tóquio, a produtora Yuzusoft confirmou o que fãs pediam havia quase uma década: Senren Banka, sua visual novel de romance com elementos sobrenaturais, vai ganhar uma adaptação em anime. A estreia está marcada para 2027, e o anúncio veio acompanhado de um vídeo promocional publicado direto no perfil oficial da empresa no X.

É a primeira vez que a Yuzusoft, fundada em 2006, transforma um de seus títulos em anime. Isso por si só já explica o tamanho da comemoração entre quem acompanha o estúdio há anos: passaram-se vinte anos de catálogo e nenhuma outra obra havia recebido esse tratamento antes.

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Do que trata a história

Senren Banka se passa em Hoori, um vilarejo isolado nas montanhas, tão remoto que nem trem chega até lá. O protagonista, Masaomi Arichi, é um estudante do segundo ano do ensino médio que, durante uma visita à região, acaba quebrando sem querer uma espada que estava presa em uma pedra no santuário local. O problema é que aquela espada não era um enfeite qualquer: dentro dela vivia um espírito chamado Murasame, que desperta com o incidente.

A quebra da espada também é vista como uma ofensa ao santuário, e a forma encontrada para reparar o erro é curiosa: Masaomi é obrigado a se casar com Yoshino Tomotake, a miko (sacerdotisa) responsável pelo local. A partir daí a trama desenvolve o triângulo entre tradição, romance e sobrenatural que marcou a obra original.

O jogo foi lançado no Japão em 29 de julho de 2016 para PC. Uma versão all-ages chegou à Steam em fevereiro de 2020, localizada para o inglês pela NekoNyan, e o Nintendo Switch recebeu sua própria versão em maio de 2022. Em fevereiro deste ano, a Yuzusoft anunciou que o título havia ultrapassado a marca de um milhão de cópias vendidas no mundo todo — um número expressivo para uma visual novel de nicho, ainda mais quase dez anos após o lançamento.

Elenco original de volta

Um dos pontos que mais chamou atenção no anúncio foi a confirmação de que todo o elenco de dublagem japonês da visual novel retorna para o anime. Isso inclui:

• Sora Haruka como Yoshino Tomotake
• Yuka Kotorii como Mako Hitachi
• Mikan Sato como Murasame
• Sawa Sawasawa como Lena Liechtenauer

Manter o elenco original é um gesto que costuma agradar bastante a base de fãs de visual novels, já que evita a sensação de “recomeço” e preserva a identidade sonora que os jogadores associam a cada personagem desde 2016.

A cantora Kotoko, responsável pelo tema de abertura da visual novel original, também foi confirmada para interpretar a música de abertura do anime. Ela já havia trabalhado com a Yuzusoft nessa mesma função no jogo, então a escolha segue a mesma lógica de continuidade aplicada ao elenco.

O que ainda não foi revelado

Apesar da confirmação oficial, a Yuzusoft não divulgou detalhes de produção. Não há estúdio de animação anunciado publicamente, nem diretor, roteirista ou o formato exato da série — se será uma temporada tradicional de TV, um formato curto, ou algo entre os dois. A empresa apenas informou que mais informações serão divulgadas em breve.

Vale mencionar um detalhe que circulou entre fãs pouco depois do anúncio: alguns materiais promocionais teriam trazido, nos créditos, o nome do estúdio wwwave. Esse estúdio ficou conhecido recentemente por assinar adaptações com classificação R18 e episódios mais curtos, de cerca de doze minutos, como aconteceu com Ushiro no Shoumen Kamui-san, exibido na Tokyo MX em julho. A wwwave também está escalada para produzir o anime de Kanojo no Tomodachi, previsto para outubro de 2026. Até o momento, porém, isso não foi confirmado oficialmente pela Yuzusoft como o estúdio responsável por Senren Banka, então vale tratar essa informação com cautela até um comunicado formal.

Por que esse anúncio pesa tanto para o gênero

Adaptações de visual novels para anime têm um histórico irregular. Fãs do gênero costumam lembrar de casos em que o material de origem foi condensado demais, perdeu ritmo ou simplesmente não captou o que tornava o jogo especial. Não é à toa que, nas redes sociais, boa parte das reações ao anúncio de Senren Banka misturou empolgação com um certo pé atrás — comentários citando adaptações anteriores que decepcionaram a base de fãs foram comuns logo depois do anúncio.

Ainda assim, alguns fatores jogam a favor dessa produção. O fato de todo o elenco de voz ter sido mantido é um sinal de que a Yuzusoft está tentando preservar a experiência original o máximo possível, em vez de simplesmente vender os direitos e deixar o resultado nas mãos de terceiros sem envolvimento. Além disso, o momento comercial ajuda: o marco de um milhão de unidades vendidas reforça que existe uma base de público sólida disposta a acompanhar o material em outro formato.

Senren Banka também não chega a este momento sem nenhuma adaptação prévia. Uma versão em mangá, com ilustrações de Erika Kiduki, foi publicada na revista Comic Alive, da Media Factory, entre abril de 2016 e fevereiro de 2017, reunida depois em dois volumes tankobon. O anime, portanto, será a segunda tentativa de levar a história para além da tela do jogo — e a primeira em formato animado.

O contexto do anúncio

O SONGFES é um evento musical promovido pela própria Yuzusoft, historicamente voltado a shows com os temas das trilhas sonoras de seus jogos. Usar esse palco para revelar a adaptação de Senren Banka não foi acidental: a empresa aproveitou a celebração de dez anos do título (lançado originalmente em 2016) para amarrar o anúncio a essa data redonda, reforçando o peso simbólico da obra dentro do próprio catálogo da desenvolvedora.

Esse tipo de estratégia também ajuda a entender por que a Yuzusoft escolheu justamente este título para sua estreia em anime, e não outro de seu catálogo. Senren Banka reúne, ao mesmo tempo, sucesso comercial comprovado, um enredo com apelo além do público tradicional de visual novels (a mistura de folclore, vilarejo isolado e elemento sobrenatural tem uma cara bem definida) e uma base de fãs internacional já consolidada, graças à localização feita pela NekoNyan e ao lançamento no Switch.

O que esperar daqui para frente

Por enquanto, a Yuzusoft prometeu apenas que mais detalhes virão em breve. É provável que estúdio de animação, diretor, elenco de suporte e data mais precisa dentro de 2027 sejam revelados em anúncios futuros, possivelmente durante eventos de anime no Japão ao longo dos próximos meses. Para quem já conhece a visual novel, o pedido é o de sempre nesses casos: acompanhar as próximas atualizações e torcer para que a adaptação preserve o tom da história original, sem cortar o desenvolvimento dos personagens que fez do jogo um sucesso de vendas quase uma década depois de seu lançamento.

Enquanto isso não chega, Senren Banka continua disponível para PC via Steam e para Nintendo Switch, tanto na versão japonesa quanto na localização em inglês feita pela NekoNyan — uma boa oportunidade para conhecer a história antes da chegada do anime em 2027.

Como o anúncio foi recebido pela comunidade

Nas horas seguintes ao vídeo publicado pela Yuzusoft, perfis dedicados a visual novels e cobertura de anime no Ocidente replicaram a notícia quase simultaneamente, o que já indica o tamanho do público que segue o título fora do Japão. Boa parte dos comentários girou em torno de dois pontos: alívio por ver o elenco original mantido e ansiedade em relação ao formato final da produção.

Esse segundo ponto não é exagero. O gênero de visual novel carrega um histórico de adaptações que cortam ramificações inteiras da narrativa para caber em poucos episódios, o que costuma frustrar quem já conhece todos os caminhos possíveis da história original. Senren Banka, como boa parte dos jogos do estilo, constrói grande parte do seu apelo justamente nas rotas individuais de cada heroína, algo que não se traduz de forma simples para um roteiro linear de anime. Resta saber se a produção vai optar por focar em uma única rota, mesclar elementos de várias delas ou seguir apenas o arco considerado principal pela própria Yuzusoft.

De qualquer forma, o simples fato de a empresa ter esperado dez anos para aprovar essa adaptação, e ter feito questão de reunir o elenco original antes de anunciar qualquer detalhe de produção, sugere um cuidado maior do que o normalmente visto em projetos do tipo. Para o público que acompanha Senren Banka desde o lançamento original em 2016, esse é o tipo de sinal que pesa mais do que qualquer teaser.

Imagem do topo: Anime New

Capcom lucra bilhões de ienes com Resident Evil e Pragmata. A Capcom acabou de divulgar o balanço do primeiro trimestre do ano fiscal de 2026 (período entre abril e junho) e os números mostram uma empresa em ritmo acelerado. Puxada pelas vendas de Resident Evil Requiem e pela estreia de Pragmata, a companhia japonesa fechou o período com receita líquida de ¥70,4 bilhões, lucro operacional de ¥41 bilhões e lucro líquido de ¥29,1 bilhões. Em dólares, isso equivale a algo perto de US$ 430 milhões em vendas e US$ 250 milhões de lucro operacional, um salto que deixa qualquer publisher de olho no modelo de negócio da empresa de Osaka.

Não é exagero dizer que a Capcom está vivendo um dos melhores momentos da sua história recente. E os dois nomes que aparecem em quase todas as frases do relatório são justamente os mesmos que dão título a este texto: Resident Evil e Pragmata.

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Os números que sustentam o trimestre

Comparado ao mesmo período do ano passado, o crescimento chama atenção em qualquer métrica que se olhe. A receita líquida subiu 54,7%, o lucro operacional avançou 66,9% e o lucro líquido cresceu 69,2%. No total, a Capcom vendeu 23,81 milhões de jogos no trimestre, contra 14,16 milhões no mesmo período de 2025 — um salto de quase 70% em unidades comercializadas.

A divisão de jogos digitais foi, disparado, a principal responsável por esse resultado. Sozinha, ela faturou ¥54,6 bilhões, um avanço de 83% na comparação anual, com lucro operacional de ¥37,5 bilhões (alta de 87,5%). Isso mostra algo que já vem se confirmando há anos: a Capcom monetiza cada vez melhor seu catálogo digital, seja com jogos novos, seja com títulos antigos que continuam vendendo através de promoções recorrentes.

Resident Evil Requiem carrega o time

Lançado em fevereiro, Resident Evil Requiem já soma mais de 8 milhões de unidades vendidas, um ritmo de vendas que poucos jogos da própria franquia conseguiram igualar em tão pouco tempo. O detalhe curioso é que o sucesso do jogo não fica isolado: ele empurra junto toda a base instalada da série.

Hoje, Resident Evil acumula mais de 213 milhões de cópias vendidas ao longo de sua história, ultrapassando a marca histórica da franquia Final Fantasy, que a Square Enix havia declarado em torno de 212 milhões de unidades em junho. Na prática, isso coloca Resident Evil como a franquia japonesa de terceiros mais vendida de todos os tempos, atrás apenas de Mario e Pokémon no ranking geral de séries do Japão — números que nem a própria Nintendo costuma discutir publicamente com tanta frequência.

Outros nomes do catálogo de survival horror também seguem vendendo bem tempos depois do lançamento: o remake de Resident Evil 2 já soma 19,75 milhões de cópias, Resident Evil 7: Biohazard chega a 18,41 milhões, o remake de Resident Evil 4 está em 16,04 milhões, Resident Evil Village em 15,86 milhões e o remake de Resident Evil 3 em 14,52 milhões. São números de jogos lançados há anos, o que reforça como a Capcom sabe explorar seu catálogo por muito mais tempo do que a média da indústria.

Pragmata surpreendeu até quem trabalha lá dentro

Se Resident Evil é o nome mais óbvio nessa história, Pragmata é a verdadeira surpresa do relatório. Lançado em abril como uma aposta de IP totalmente nova — um jogo de ação e ficção científica ambientado na Lua, estrelado pelo astronauta Hugh e pela androide Diana —, o título já ultrapassou 2,5 milhões de cópias vendidas em pouco mais de dois meses de mercado.

O dado mais impressionante é comparativo: no trimestre, Pragmata vendeu mais do que o remake de Resident Evil 4, que registrou 2,43 milhões de unidades no mesmo período, tornando a nova IP o jogo mais vendido da Capcom no trimestre. Para uma franquia sem histórico, sem base de fãs consolidada e sem o peso de um nome já conhecido, esse resultado é raro. A própria Capcom credita o desempenho a uma campanha de divulgação bem construída ao longo dos últimos anos, que conseguiu formar expectativa em torno do jogo mesmo com atrasos sucessivos no cronograma original.

Vale lembrar que Pragmata foi anunciado ainda em 2020 e passou por adiamentos que fizeram parte da comunidade duvidar se o jogo sairia do papel. O resultado comercial dos primeiros meses parece justificar a paciência da desenvolvedora — e abre espaço para que a Capcom trate o título como uma futura franquia, e não apenas como um experimento pontual.

O catálogo antigo continua sendo o alicerce

Um ponto que costuma passar despercebido em coberturas mais apressadas é o quanto o catálogo de anos anteriores segue pesando no resultado final. Jogos de catálogo — ou seja, lançamentos que não são do trimestre corrente — responderam por 21,26 milhões das 23,81 milhões de unidades vendidas no período. Isso significa que a maior parte do volume de vendas ainda vem de jogos já lançados, e não das novidades.

Street Fighter 6 ultrapassou 60 milhões de cópias vendidas ao longo da vida da franquia, impulsionado em parte pelas iniciativas de eSports que a Capcom tem investido nos últimos anos. Devil May Cry 5 somou 1,29 milhão de unidades só no trimestre, alcançando 14,24 milhões no total — um resultado que a própria empresa atribui ao efeito gerado pela segunda temporada do anime da franquia na Netflix, mostrando como adaptações audiovisuais seguem funcionando como vitrine para vendas de jogos mais antigos. Já Monster Hunter, outro pilar histórico da empresa, soma 131 milhões de unidades vendidas.

O que vem pela frente

Com o trimestre fechado, a Capcom entra na segunda metade do ano fiscal com dois lançamentos de peso no radar: Onimusha: Way of the Sword, esperado para setembro, e a continuidade do suporte a Resident Evil Requiem e Monster Hunter Wilds via conteúdo adicional. A expectativa do mercado é que esse ritmo de lançamentos, combinado com a monetização contínua do catálogo, sustente outro ano de recorde para a empresa — que já vinha de um ciclo de nove anos consecutivos batendo recordes de lucro antes mesmo deste trimestre.

O que esse balanço deixa mais claro é uma mudança de postura da Capcom nos últimos anos: em vez de depender só de lançamentos anuais previsíveis, a empresa passou a equilibrar apostas em IPs completamente novas, como Pragmata, com a exploração de longo prazo de franquias consolidadas, como Resident Evil, Monster Hunter e Street Fighter. É esse equilíbrio entre risco e segurança que parece estar rendendo os melhores números financeiros da história recente da companhia.

Para quem acompanha o mercado de games de perto, o resultado da Capcom neste trimestre funciona quase como um estudo de caso: mostra que investir em remake, séries longevas e uma nova IP bem cuidada, ao mesmo tempo, pode gerar um crescimento de lucro superior a 60% em um único trimestre — algo que poucas publishers do setor conseguiram repetir nos últimos anos.

Por que esse resultado importa para o resto da indústria

O caso da Capcom serve de contraponto a uma discussão recorrente no mercado: a de que jogos como serviço, com monetização contínua e microtransações, seriam o único caminho seguro para sustentar receita alta ano após ano. A empresa japonesa está mostrando o oposto. Boa parte do salto de lucro vem de jogos single-player, vendidos uma vez, sem assinatura, sem loja interna agressiva — e ainda assim gerando margens operacionais que rivais com modelos de live service não conseguem igualar.

Isso também ajuda a explicar por que a Capcom manteve o preço de lançamento de Resident Evil Requiem alinhado ao de gerações anteriores, apostando em volume e em portas para múltiplas plataformas em vez de aumentar o valor unitário do produto. A estratégia de lançar simultaneamente em consoles atuais e manter suporte contínuo a versões mais antigas parece ter sido decisiva para o resultado, já que boa parte das vendas de catálogo vem justamente de jogadores que compram versões remasterizadas ou com desconto meses depois do lançamento original.

Do ponto de vista de quem cobre o setor, vale acompanhar se esse modelo se repete com Onimusha em setembro. Se a fórmula continuar funcionando, é provável que outras publishers japonesas — e até ocidentais — comecem a revisar seus próprios calendários de lançamento, priorizando menos jogos por ano, mas com mais tempo de desenvolvimento e suporte pós-lançamento mais longo, exatamente o caminho que a Capcom vem trilhando desde os remakes de Resident Evil 2 e 3.

Imagem do topo: Game Blast

A espera acabou, pelo menos em parte. Depois de mais de dois anos de rumores, teasers soltos e um anúncio inicial que não trazia praticamente nenhum detalhe concreto, a Garena e a Kadokawa finalmente colocaram nome, rosto e janela de estreia na adaptação animada de Free Fire. O projeto se chama Free Fire Daybreak e chega às telas na primavera de 2027, no hemisfério norte — o que, no calendário brasileiro, cai entre o fim do nosso verão e o começo do outono.

O anúncio saiu no dia 25 de julho de 2026, direto do site oficial do jogo e das redes da produção japonesa, acompanhado da primeira key visual e de um trailer promocional. Não é pouca coisa: até então, tudo o que se sabia vinha de um teaser de 2025 e de informações soltas sobre quem estava por trás das câmeras. Agora há um título, um enredo e três rostos confirmados no elenco principal.

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Do anúncio genérico ao nome definitivo

Vale relembrar o caminho até aqui, porque ele ajuda a entender por que esse anúncio pesa tanto para quem acompanha o game. A produção do anime começou a ser discutida publicamente em maio de 2024, quando Garena e Kadokawa confirmaram que um projeto animado estava em desenvolvimento. Na época, praticamente nada além disso foi revelado.

Só em julho de 2025 é que a coisa ganhou corpo: saiu o primeiro teaser, e junto dele vieram nomes de peso na equipe técnica, incluindo profissionais que já haviam trabalhado em produções como Blue Archive The Animation e Azur Lane Bisoku: Zenshin!. Mesmo assim, o projeto seguia sem título oficial, tratado apenas como “a adaptação em anime de Garena Free Fire” — uma situação que já durava mais de um ano.

Essa lacuna finalmente foi preenchida. Free Fire Daybreak assume a direção de Ken Takahashi, tem a Candy Box cuidando da produção de animação e a Sus4 Inc. responsável pela trilha sonora. A Kadokawa Qingyu, subsidiária da Kadokawa, entra como gerenciadora de produção, enquanto Garena e Kadokawa dividem o investimento conjunto no projeto.

Do que fala a história

Aqui está a parte que mais chamou atenção de quem joga Free Fire há anos: o anime não vai simplesmente recriar partidas do battle royale com os personagens do jogo. Ele constrói um universo próprio, chamado New Dawn, uma metrópole futurista dominada por uma corporação chamada Horizon.

A protagonista é Kelly, uma das personagens mais reconhecidas de quem joga Free Fire desde os primeiros anos. Na trama do anime, ela tem 16 anos e desperta sem memória do próprio passado, logo em seguida descobrindo uma habilidade batizada de “Limit Break” — algo capaz de liberar um poder que estava selado dentro dela. A partir daí, Kelly se vê envolvida em uma investigação sobre o “Project Bloom”, um projeto obscuro conduzido pela Horizon Corporation, e passa a reunir aliados para desvendar essa conspiração.

Ao lado dela na key visual divulgada aparecem Hayato e Moco, dois nomes que também fazem parte do elenco jogável original. A escolha não é aleatória: os três estão entre os personagens mais populares e mais antigos do catálogo do jogo, o que sugere uma tentativa clara de equilibrar fidelidade ao material de origem com liberdade criativa para contar uma história nova.

Vale um adendo importante para quem espera algo mais próximo do gameplay: por enquanto, a confirmação da Garena não menciona nenhum evento dentro do jogo, recompensa ou skin ligada ao lançamento do anime. Ou seja, Free Fire Daybreak nasce como narrativa independente, não como uma ferramenta promocional direta para o game mobile.

O visual chamou atenção — e por um motivo

A key visual divulgada junto do anúncio retrata Kelly, Hayato e Moco em uma composição dinâmica, com uma estética que remete mais a animes de ação urbana e ficção científica do que ao visual “arena de sobrevivência” que a maioria associa a Free Fire. É uma escolha estética que separa o anime do jogo de forma bem clara: em vez de ilhas, armas e círculos de segurança fechando, o material promocional aposta em prédios altos, iluminação de cidade futurista e uma paleta que remete a produções recentes do gênero.

Para quem só conhece Free Fire pelo battle royale mobile, isso pode soar estranho à primeira vista. Mas faz sentido dentro da lógica que a indústria japonesa costuma seguir ao adaptar games para anime: manter os personagens reconhecíveis, mas construir um cenário e um conflito que sustentem uma temporada inteira de episódios, coisa que uma partida de 10 minutos de battle royale simplesmente não oferece.

Quando e onde assistir

A confirmação oficial fala em estreia na primavera de 2027 do hemisfério norte, com transmissão simultânea na TV japonesa e em streaming para o público global — incluindo, segundo a nota da Garena, exibição dentro do próprio Japão junto com o lançamento internacional. As plataformas de streaming específicas onde o anime vai rodar fora do Japão ainda não foram anunciadas, então quem quer acompanhar de perto vai precisar ficar de olho nos canais oficiais do jogo e da Kadokawa nos próximos meses.

Vale lembrar que esse tipo de anúncio costuma vir em etapas: primeiro o título e a janela de lançamento, depois o elenco de voz, depois o calendário de episódios e só then a confirmação de onde assistir fora do Japão. Historicamente, produções ligadas à Kadokawa costumam fechar acordos de streaming global relativamente perto da data de estreia, então não deve demorar muito para esse detalhe aparecer.

Por que isso importa para quem joga

Free Fire completa oito anos de existência em 2026 e segue como um dos jogos mobile mais populares do mundo, especialmente em mercados como Brasil, Índia e Sudeste Asiático. Uma adaptação em anime nesse momento cumpre um papel duplo: reforça a presença da marca fora do ambiente do jogo e testa se personagens nascidos dentro de uma mecânica de battle royale conseguem sustentar uma história com começo, meio e fim.

Não é a primeira vez que um jogo mobile de sucesso tenta esse caminho, mas o histórico é misto. Adaptações que se apegam demais à mecânica original tendem a soar rasas fora do contexto do jogo; as que criam um universo próprio, como parece ser o caso de Free Fire Daybreak com sua trama sobre memória perdida e conspiração corporativa, tendem a ter mais chance de conquistar espectadores que nunca abriram o aplicativo do jogo.

O que falta confirmar

Mesmo com o anúncio recente, ainda há bastante coisa em aberto. Não há elenco de dublagem confirmado, não há número de episódios definido, e as plataformas de streaming internacionais seguem sem nome. O que existe, por enquanto, é a certeza de um título, uma direção definida, um estúdio de animação por trás do projeto e uma sinopse que aponta para algo mais ambicioso do que uma simples transposição do jogo para a tela.

Para quem acompanha o universo de Free Fire há anos, resta acompanhar os próximos meses. Se o padrão de divulgação até aqui se mantiver — teaser, depois detalhes técnicos, depois título oficial —, é provável que a Garena e a Kadokawa liberem o trailer completo e o elenco de voz ainda antes do fim de 2026, deixando o primeiro semestre de 2027 livre só para os últimos ajustes de divulgação antes da estreia.

De qualquer forma, o simples fato de o projeto ter saído do limbo em que viveu por mais de um ano já é motivo suficiente para reacender a curiosidade da base de jogadores. Um jogo que nasceu como battle royale mobile está prestes a virar protagonista de uma narrativa própria em formato de anime, com estúdio, direção e trilha sonora definidos — algo que poucos títulos do mesmo gênero conseguiram emplacar com esse nível de estrutura por trás. Resta saber se Kelly, Hayato e Moco vão conquistar também quem nunca instalou o aplicativo.

Imagem do topo: Kudasai